NATCHO DI MARTINO – Sábado 11 de noviembre 2023 – 13:00 horas – Librería Cálamo.

Nacho DiMartino Swing! es un proyecto musical desarrollado para amantes de la música swing, con un repertorio de
composiciones propias y clásicos de todos los tiempos. La propuesta entretiene e invita a bailar conservando la
tradición y características del género.

Formado en los últimos meses de 2014, el grupo participó del festival internacional de Lindy Hop
«FESTIVAL SWING MDQ» ediciones 2014, 2015 y 2017, Festival «JAZZ EN ABRIL» ediciones 2017 y 2019,
«BRUDER FEST» 2019 (Evento de cerveza artesanal mas importante de la costa atlántica, Argentina),
Coloquio IDEA 2015, fue banda estable del teatro TEATRIZ 2017 además de apariciones televisivas y radiales.
También cuenta con shows en Escocia, Inglaterra, Francia, Paises Bajos y Brasil además de haber
recorrido a lo largo y a lo ancho España.

Su discografía consta de cuatro discos. Un LP de diez canciones originales «BANG!» y tres EP con clásicos del
género y versiones «Doble Standard 1,2 y 3». En Junio de 2023 se editará un nuevo LP de 10 canciones originales llamado «WOW!».

ALONSO MARTÍNEZ  – Sábado 18 de noviembre – 13:00 horas – Librería/Sala de exposiciones «La Casa Amarilla».

Un concierto íntimo con composiciones propias mezcladas con otras del repertorio de standards que abarcan distintos estilos dentro del jazz y otras músicas. Sorpresas garantizadas con invitados especiales .

 Filmoteca de Zaragoza (Plaza de San Carlos, 4). 2, 8 y 10 de Noviembre. (Entrada libre y gratuita hasta completar aforo)

1. Whiplash (Damien Chazelle, 2014) – Jueves 2 de Noviembre, 20h.

Dir: Damien Chazelle
Int: Miles Teller, J. K. Simmons, Melissa Benoist, Paul Reiser, Austin Stowell, Jayson Blair, Kavita Patil, Kofi Siriboe, Jesse Mitchell, Michael D. Cohen, Tian Wang, Jocelyn Ayanna, Tarik Lowe, Marcus Henderson, Keenan Henson.

Música: Justin Hurwitz.

El objetivo de Andrew Neiman (Miles Teller), un joven y ambicioso batería de jazz, es triunfar en el elitista Conservatorio de Música de la Costa Este en el que estudia. Andrew es miembro de una familia, carente de la figura materna, con un padre sobre protector (que es profesor de literatura en secundaria), y en la que no hay vinculación con la música y menos todavía con el jazz. Contra todo pronóstico, Andrew alberga sueños de grandeza en ese complejo territorio, y quiere ser tan brillante como el legendario batería de jazz  Buddy Rich (1917-1987). Terence Fletcher (interpretado con brillantez por J. K. Simmons), un profesor conocido tanto por su talento como por sus rigurosos y violentos métodos de enseñanza, dirige la mejor big band de jazz del Conservatorio.
Cuando Fletcher elige a Andrew para formar parte de su banda, cambia para siempre la vida del joven, que se verá sometido a un adiestramiento marcado por la violencia (física y psicológica) de los métodos de este insidioso y quizá demente profesor, a su vez obsesionado con que hay que llegar más allá de los límites de lo soportable física y mentalmente para alcanzar la excelencia en cualquier disciplina, y especialmente en una tan exigente como la del jazz. El objetivo, según él, es no perder la posibilidad de llegar a encontrar, cueste lo que cueste, un músico equivalente a Charlie Parker y su indudable genialidad.
Este fue el segundo largometraje de Chazelle, que ya trató el tema del jazz en Guy and Madeline on a Park Bench (2009) y que ha seguido presente en La ciudad de las estrellas (La La Land, 2016) y la reciente Babylon (2022). Parece ser que Damien Chazelle, intentó también ser músico de jazz, siguió una trayectoria personal en sus estudios no demasiado diferente a la de su protagonista Andrew  Neiman. El guion, también escrito por él, tiene una parte autobiográfica importante y plantea interesantes  cuestiones sobre la política de competitividad salvaje tan presente en la sociedad norteamericana, los métodos de enseñanza necesarios para preparar a los jóvenes que se van a enfrentar a ese sistema, marcado por la «ley de la jungla»; y también sobre la obsesión casi demente que parece arrastrar a muchos creadores y artistas geniales que son capaces de sacrificarlo todo para alcanzar sus metas…Damien Chazelle parece haber encontrado su meta en otro territorio, no menos duro: el cine. Su obsesión personal por el tema ya se hizo cine en un cortometraje del mismo título, que filmó en 2013, y su largometraje ya ha triunfado en festivales, como el de Sundance, y ha ganado dos Globos de Oro, y la verdad es que logra llamar la atención, incluso a los no aficionados al jazz que terminarán cautivados por el electrizante montaje (Tom Cross, es el responsable), la sólida dirección de actores, lo bien que responden al reto Miles Teller y J. K. Simmons, logrando mostrar con sus trabajos interpretativos el duelo musical de aprendiz y maestro del film. La puesta en escena no parece estar a cargo de un realizador de treinta años, sino en las de uno con más experiencia y veteranía.

2. Balada para Tete (Fran Vaquero, 2016) – Viernes 10 de noviembre, 20h.

Este medio-metraje de 55 minutos de duración propone un viaje desde el mar Cantábrico que baña la tierra del asturiano Turienzo al Mediterráneo del barcelonés Tete Montoliu, con la participación de varios músicos más y personas que han conocido al protagonista, fallecido en 1997. La segunda parte del documental tiene por escenario al Nova Jazz Cava de Terrassa, uno de los locales más queridos y frecuentados por Tete, donde grabó por última vez en trío acompañado por Horacio Fumero en el contrabajo y Peer Wyboris en la batería. Además, aparecen Juan Claudio Cifuentes, creador y conductor del programa «Jazz entre amigos», la cantante Mayte Martín y otros músicos, compañeros y amigos del desaparecido músico.

3. Chantaje en Broadway (Sweet Smell of Success, Alexander Mackendrick, 1957) – Miércoles 8 de noviembre, 20:15h.

Int.: Burt Lancaster, Tony Curtis, Barbara Nichols.

Nos relata con pasión cómo J. J. Hunsecker (Burt Lancaster) y Sidney Falco (Tony Curtis) se adentran en el misterioso mundo de la fauna nocturna que puebla el centro de Manhattan, en un juego siniestro de poder y en un universo de supervivencia desesperada. Tiene este film clásico, dirigido por Alexander Mackendrick y escrito por Clifford Odets y Ernest Lehman –en cuya novela se inspiran–, algunos de los diálogos más corrosivos del cine de todos los tiempos. Burt Lancaster encarna a un poderoso, famoso y ambicioso columnista que domina toda una ciudad a través de la información que habitualmente consumen sus más de sesenta millones de lectores. Pero tiene un punto débil: su hermana pequeña Susan (Susan Harrison). Todo cambiará cuando ésta se enamore apasionadamente de Sidney Falco (Tony Curtis), un guitarrista de jazz, y es entonces cuando los instintos más básicos del periodista salen a relucir. La banda sonora la compuso Elmer Bernstein, pero el papel protagonista lo tiene el grupo de jazz Chico Hamilton Quintet, formado por Chico Hamilton, Buddy Clark, Paul Horn y Fred Katz, perfecto para ambientar ese mundo nocturno de Manhattan a finales de los años cincuenta.

   4. El negro que tenía el alma blanca (Benito Peroro, 1927) – Miércoles 15 de noviembre, 20h.

Dir.: Benito Perojo; Guion: Benito Perojo, según la novela de Alberto Insúa; Fotografía: George Asselin y Segundo de Chomón; Efectos especiales: Segundo de Chomón

Int.: Concha Piquer, Raymond de Sarka, José Agüeras, Joaquín Carrasco, Andrews Engelmann, Valentín Parera.

Un repaso al cine silente permitiría comprobar que, durante los años 20 del siglo XX, hubo una eclosión de creatividad sin parangón en toda la historia del cine.

Este es el contexto en el que Benito Perojo, que estaba trabajando en Francia (como intérprete y director de 1917 a 1929), realizó El negro que tenía el alma blanca (1928), que tuvo en su momento una buena acogida y dos versiones en el cine sonoro, una de 1934, dirigida por el mismo Perojo; y otra de 1954, dirigida y protagonizada por el argentino Hugo del Carril. Luego, aunque al propio director le parecía uno de sus mejores trabajos (con razón), fue casi olvidada y despreciada.

Perojo adapta la novela del cubano afincado en España Alberto Insúa y cuenta como operadores de cámara con George Asselin y Segundo de Chomón, que además se ocupará de los efectos visuales. Los dos fotógrafos han asimilado con maestría aspectos expresionistas e impresionistas del cine europeo de la época (alemán y francés) y aplican un tratamiento de la luz que siempre potencia el valor expresivo de todas las secuencias. Destaca también el soberbio trabajo interpretativo de una joven Conchita Piquer y de Raymond de Sarka, sin los que la historia (que se apoya en ciertos presupuestos racistas que no eran tan evidentes en la visión de la época) podría perder eficiencia.

La película contó con unos medios de producción muy difíciles de alcanzar en la España de finales de los años veinte. Algunas secuencias que relatan el ambiente de algunos clubes de los «felices años veinte» parisinos, son espectaculares. En especial las que muestran los inicios de Peter Wald / Pedro Valdés en el mundo del Charlestón, un antecedente del jazz, que estaba en plena difusión en Europa.

Hay detalles breves en los que el estilo de Chomón es evidente: los reflejos (flash-back) en una botella de champán que observa Don Mucio Cortadell (Joaquín Carrasco), el padre de Emma (Conchita Piquer) o los juegos lumínicos (y maquetas) para ilustrar el ambiente de Montmartre y el Moulin Rouge.

Pero donde realmente se luce el genio de Chomón es en la brillante secuencia onírica (que comienza aproximadamente en el minuto 12:24) y que termina por determinar un cierto aire de ensoñación fabulística a todo el film.

Está construida con sobreimpresiones, transparencias, cámaras lentas, maquetas, distorsiones visuales, todo un repertorio de trucajes que ha sido alabado (con razón) como uno de los mejores momentos del film. Quizás sea la secuencia más destacada por buena parte de la crítica y supone un fuerte impacto, por su agilidad narrativa, por sus sugerencias eróticas y por demostrar que había otro cineasta turolense capaz de sumergirnos en el inquietante mundo de los sueños. Hay un momento que además pudo inspirar visualmente al mítico King Kong (1933) de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. Es una pena que este fuera su último trabajo. En él, Chomón al servicio de Perojo, muestra una madurez narrativa y un dominio técnico absolutos que indican que podría haber aportado mucho más al desarrollo del lenguaje cinematográfico, si no hubiera fallecido un 2 de mayo de 1929 a la edad de 57 años.

IGNASI TERRAZA TRIO + PERICO SAMBEAT

Invitada especial: MARIA DEL MAR BONET

Ignasi Terraza, piano.

Horacio Fumero, contrabajo.

David Xirgu, bateria.

Perico Sambeat, saxo alto.

Maria del Mar Bonet, voz.

Tete Montoliu tenía la costumbre de celebrar cada aniversario suyo de una manera muy especial. En esta ocasión, por su noventa cumpleaños, han sido algunos de sus músicos más afines y unos invitados muy especiales los que se han reunido para invocar la figura y la obra del músico más importante que ha generado la historia del jazz en nuestro país.

El pianista y pupilo Ignasi Terraza, el contrabajista que lo acompañó durante más de veinte años Horacio Fumero y el baterista que tuvo la ocasión de foguearse a sus órdenes, David Xirgu, establecen la base del trio. Como invitados especiales el saxofonista valenciano Perico Sambeat, con quien grabó el disco “Punto de Partida” junto a Wallace Roney y la cantante mallorquina Maria del Mar Bonet, a quien acompañó en su célebre versión del tema “Jim” que popularizó Billie Holiday y con quien compartió escenario junto a otros grandes nombres de la llamada Nova Cançó. Consagrada como la gran dama del mediterráneo, Bonet además tiene una sorpresa muy especial vinculada a su admiración por Tete Montoliu.

El repertorio en su conjunto contiene una selección de las piezas más significativas que formaban parte del universo Tete donde convivían títulos de autoría propia con sus particulares revisiones sobres obras de Dexter Gordon, Miles Davis, Thelonious Monk y Coltrane. Todo acorde para convertir cada concierto en una gran celebración a Tete y al jazz.

LINE UP:

Mike Stern – guitarra eléctrica

Leni Stern – guitarra eléctrica / n’goni / voz

Bob Franceschini – saxos

Lincoln Goines – bajo eléctrico y contrabajo

Dennis Chambers – batería

Mike Stern, uno de los grandes guitarristas de jazz de su generación, tiene la habilidad única de tocar con la delicadeza y el lirismo de Jim Hall, el impulso de Wes Montgomery y el ataque turbulento y saturado de Jimi Hendrix. Al crecer en el área de Washington, D.C., Stern reverenciaba a esos tres inmortales de la guitarra, junto con guitarristas de blues tan potentes como Albert y B.B. King. Se pueden escuchar aspectos de esas influencias seminales en su forma de tocar en las 18 grabaciones que ha lanzado como líder, o en su aclamado trabajo como acompañante para Miles Davis, Billy Cobham, Brecker Brothers, Jaco Pastorius, Steps Ahead, David Sanborn, Blood, Sweat. & Tears, Joe Henderson y la banda de estrellas Four Generations of Miles.

El último lanzamiento de Concord Jazz de Stern, Eleven, es un encuentro con el teclista, compositor y productor ganador del Grammy, Jeff Lorber. Coproducida por el bajista Jimmy Haslip, que había trabajado previamente con el guitarrista en el álbum de 2008 de Yellowjacket, Lifecycle, esta animada colaboración encuentra a Stern en la cima de sus poderes, siguiendo los pasos del aclamado Trip de 2017, su regreso triunfal a la grabación después de un extraño accidente que amenazó con acabar con su carrera.

El guitarrista nominado a múltiples premios Grammy estaba parando un taxi afuera de su apartamento en Manhattan el 3 de julio de 2016 cuando tropezó con unos escombros de construcción escondidos en la calle, fracturándose ambos huesos del húmero (los huesos largos que van desde el hombro hasta el codo) en el otoño. Con un daño significativo en los nervios de la mano derecha que le impedía realizar las tareas más simples, como sostener un pico, Stern se enfrentó a una serie de cirugías y luego a fisioterapia antes de que pudiera recuperar el control de su mano con los nervios dañados. Y mientras Trip representó un fuerte regreso, el intrépido guitarrista lleva las cosas a un nivel superior en Eleven.

«Cuando se planteó la idea de este proyecto, le pregunté a un grupo de tipos que trabajaron con Jeff, como Randy Brecker, Dave Weckl y Bob Franceschini, y todos dijeron: ‘Es genial, tira, realmente puede ponerlo en marcha'». .’ Y tienen razón”, dijo Stern. “Jeff tiene un fuerte groove rítmico y se combina muy bien con el Fender Rhodes, que es su sonido característico. Y siento que su música realmente proviene más de la música soul que del jazz suave. Ese toque del alma de Filadelfia está definitivamente en algunas de sus canciones en este disco”.

Lobber agregó sobre su primera colaboración juntos: “Mike es simplemente un mago del bebop, tiene un sentimiento de jazz increíble. Y de la misma manera, también tiene cubierto el tema del rock y el blues. Está en ambos lados del espectro musical. Entonces, cuando escuché que estaba dispuesto a hacerlo, me encantó tener la oportunidad de trabajar con él en el estudio en este proyecto. Y creo que realmente nos llevamos bien tanto musical como personalmente”.

Stern, uno de los mejores guitarristas de jazz desde sus días de gran avance con la célebre banda de regreso de Miles Davis a principios de la década de 1980, se ha ganado el respeto de colegas y críticos por igual, al mismo tiempo que ejerce una gran influencia en una generación de aspirantes a músicos. Guitarrista de una técnica formidable, sigue asombrando e inspirando a los aficionados a las seis cuerdas con su combinación perfecta de facilidad bebop, intensidad de rock abrasador y lirismo poco común. Como señaló Jon Chappell de la revista Guitar, «Stern no solo es un mago del diapasón, sino un compositor sincero y maduro de gran profundidad«. Al combinar el enfoque legato de los grandes saxofonistas del jazz como John Coltrane, Sonny Rollins y Joe Henderson con algunos toques del campo del rock (es decir, pedales de distorsión y retardo junto con algunas cuerdas dobladas urgentemente, cortesía de sus héroes de blues de la infancia B.B. King y Buddy Guy), Stern ha creado con éxito una voz singular que ocupa cómodamente tanto el mundo del rock como el del jazz.

Nacido el 10 de enero de 1953, comenzó a tocar la guitarra a los 12 años, emulando a B.B. King, Eric Clapton y Jimi Hendrix. “Me gustó el tacto de la guitarra y me enganché”, recordó en una entrevista. “Pero realmente no me lo tomé en serio hasta que me fui a Berklee en 1971”. En el Berklee College of Music de Boston, su enfoque se centró en el jazz cuando comenzó un período intensivo de carpintería, sumergiéndose en discos de Miles Davis, John Coltrane, McCoy Tyner y Bill Evans mientras estudiaba con los guitarristas Mick Goodrick y Pat Metheny. Durante su paso por Berklee, desarrolló un gran aprecio por los grandes guitarristas de jazz Wes Montgomery y Jim Hall, quienes ejercerían una gran influencia en su forma de tocar. Por recomendación de Metheny, Stern consiguió un concierto con Blood, Sweat & Tears en 1976 y permaneció con la banda durante dos años, apareciendo en los álbumes de BS&T More Than Ever y Brand New Day. Ese concierto también es significativo porque le presentó al guitarrista a dos músicos que luego figurarían de manera prominente en su vida: el percusionista Don Alias ​​y el bajista Jaco Pastorius.

Después de su paso por BS&T, Stern regresó a Boston y comenzó a estudiar en privado con el gurú del jazz local Charlie Banacos. En 1979, se unió a la poderosa banda de fusión de Billy Cobham y dos años más tarde se unió al grupo de Miles Davis, haciendo su debut público con la banda el 27 de junio de 1981 en el club nocturno Kix en Boston (una actuación que fue documentada en el álbum en vivo de CBS, We Want Miles). Stern permaneció con Miles hasta 1983, y también apareció en Man With The Horn y Star People). De 1983 a 1984, estuvo de gira con la banda Word Of Mouth de Jaco Pastorius y en 1985 regresó a Miles para una segunda gira que duró cerca de un año.

En 1985, Stern hizo su debut discográfico como líder con Neesh en el sello Japanese Trio. Un año después, hizo su debut en Estados Unidos como líder de Atlantic Records con Upside Downside, que contó con colegas tan célebres como el saxofonista alto David Sanborn, el saxofonista tenor Bob Berg, los bajistas Mark Egan, Jeff Andrews y Jaco Pastorius, el teclista Mitch Forman y los bateristas. Dave Weckl y Steve Jordan. En el verano de 1986, Stern salió de gira con David Sanborn y más tarde se unió a una edición electrificada de Steps Ahead, que contó con Mike Mainieri en las vibraciones midi, Michael Brecker en Electronic Wind Instrument (EWI), Darryl Jones en el bajo eléctrico y Steve Smith en la batería. Ese potente equipo de fusión fue documentado en Live in Tokyo 1986. Durante los siguientes dos años, Stern fue miembro del potente quinteto de Michael Brecker, apareciendo en el álbum de 1988 del titán tenor, Don’t Try This At Home.

El segundo álbum de Stern en Atlantic, Time In Place de 1988, continuó la promesa de su debut y contó con Peter Erskine en la batería, Jim Beard en los teclados, Jeff Andrews en el bajo, Don Alias ​​en la percusión y Don Grolnick en el órgano. Siguió ese éxito con Jigsaw de 1989, que fue producido por su compañero guitarrista Steve Khan. Tras el lanzamiento de Odds or Evens de 1991, Stern se unió a Brecker Brothers Band reunida en 1992 y se convirtió en un factor clave en el éxito de ese popular grupo durante los siguientes dos años. Su lanzamiento en Atlantic de 1993, decididamente jazzístico, Standards (And Other Songs), llevó a Stern a ser nombrado Mejor Guitarrista de Jazz del Año por los lectores y críticos de la revista Guitar Player. Siguió ese éxito con dos ofertas contundentes en Is What It Is de 1994 y Between The Lines de 1996, las cuales recibieron nominaciones al Grammy.

En 1997, Stern volvió a una estética más jazzera con Give And Take, una sesión más suelta y espontánea con el bajista John Patitucci, el baterista Jack DeJohnette, el percusionista Don Alias ​​y los invitados especiales Michael Brecker y David Sanbom. Con la fuerza de ese magnífico esfuerzo, que incluyó versiones libres de «Oleo» de Sonny Rollins, «Giant Steps» de John Coltrane y «I Love You» de Cole Porter, junto con una brillante interpretación en trío de «Who Knows» de Jimi Hendrix, fue galardonado con el premio Orville W. Gibson al mejor guitarrista de jazz.

El noveno lanzamiento de Stern en Atlantic, Play de 1999, fue una cumbre de seis cuerdas con los guitarristas John Scofield y Bill Frisell. Siguió con Voices de 2001, su primer álbum con cantantes (Arto Tuncboyaciyan, Elizabeth Kantomanou, Richard Bona) y These Times de 2004, que contó con invitados del as del banjo Bela Fleck y el saxofonista alto Kenny Garrett. ¿Quién dejó salir a los gatos? de 2006 contó con un grupo de bajistas en Meshell Ndegeocello, Anthony Jackson, Richard Bona y Victor Wooten junto con los bateristas Kim Thompson y Dave Weckl y el as de la armónica Gregoire Maret y el difunto gran trompetista Roy Hargrove.

En el Festival Internacional de Jazz de Montreal en junio de 2007, Stern fue galardonado con el Premio Miles Davis, que fue creado para reconocer a artistas de jazz de renombre internacional cuyo trabajo haya contribuido significativamente a la renovación del género. Stern también fue el artista residente en el festival ese verano de 2007, uniéndose a los renombrados Yellowjackets para algunas actuaciones en vivo electrizantes. Su química cinética se documentó más tarde en la colaboración de estudio de 2008, Lifecycle, que fue nominada a un Grammy al Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo. El año siguiente vio el lanzamiento de su Big Neighborhood, nominado al Grammy, que encontró a Stern con los héroes de la guitarra Eric Johnson y Steve Vai, el trompetista Randy Brecker y los padrinos de jamband Medeski, Martin & Wood en algunas pistas.

Stern recibió el premio Leyenda Certificada de la revista Guitar Player el 21 de enero de 2012. En junio de ese año, lanzó All Over the Place, que contó con una delegación de bajistas eléctricos y acústicos de alto calibre, incluidos Esperanza Spalding, Richard Bona, Victor Wooten, Anthony Jackson, Dave Holland, Tom Kennedy, Will Lee y Victor Bailey. En Eclectic de 2014, Stern se enfrentó cara a cara con el guitarrista de Texas Eric Johnson, cortando una amplia franja estilística en once originales mientras mostraban su amor mutuo por Jimi Hendrix en una versión de su clásico de blues lento, «Red House». Grabado en tres días en el estudio de Johnson en Austin, Electric fue aclamado como «una salida deslumbrante de dos héroes de la guitarra formidables y bien emparejados» por la revista Jazz Times.

El gran guitarrista continuó tocando con una autoridad incomparable mientras hacía alarde de prodigiosas habilidades en Trip de 2017 y ahora exhibe esa misma destreza impresionante de seis cuerdas en Eleven.