JAZZ CINEMA – FILMOTECA ZARAGOZA

Acceso gratuito hasta completar aforo


 

Miércoles 16 de noviembre, 20 horas:
1. JAZZ EN UN DÍA DE VERANO (JAZZ ON A SUMMER’S DAY, 1958) de Bert Stern y Aram
Avakian.
USA VOSE. 90 min.

Jazz on a Summer Day (1958), dirigido por Bert Stern y Aram Avakian, recoge el
ambiente y unas cuantas actuaciones del festival de jazz de Newport en 1958. Todo
un espectáculo que no se limitó a recoger las actuaciones sino a mostrarnos el
ambiente de los espectadores, los ensayos y en general todo lo que rodea a un evento
tan especial. Presenciamos fragmentos de las actuaciones en directo de Jimmy
Giuffre, Thelonious Monk, Henry Grimes, Sonny Stitt, Anita O´Day, Dinah
Washington, Gerry Mulligan, Chuck Berry, Chico Hamilton, Louis Armstrong y
Mahalia Jackson. Se recogen muchos momentos especiales de los ensayos, de lo que
ocurre en torno al escenario, las reacciones de los aficionados que, en ocasiones, son
analizadas con precisión de entomólogos por Stern y Avakian. Un disfrute para los
sentidos, por el respeto escrupuloso al sonido, a los músicos y a los espectadores de
estos eventos tan especiales.

 

 

Jueves 17 de noviembre, 20 horas:
2. THELONIOUS MONK: STRAIGHT, NO CHASER (1988) de Charlotte Zwerin
USA VOSE. 90 min.

Charlotte Zwerin es una prestigiosa documentalista norteamericana que ha tratado
temáticas que van de la plástica artística al universo musical del siglo XX, como
Gimme Shelter (1970), dirigido junto a Albert y David Maysles, sobre The Rolling
Stones, o Horowitz Plays Mozart (1987), junto a Susan Frömke y Albert Maysles,
sobre el célebre pianista de música clásica. Y está claro que no podían faltar, en su
trayectoria, referencias directas al jazz, como Ella Fitzgerald: Something to Live For
(1999), producido por la cadena pública norteamericana PBS sobre la vida de “The
First Lady of Song” y, claro, Thelonious Monk: Straight, No Chaser, que tuvo como
punto de partida una serie de grabaciones de Christian Blackwood y su hermano
Michael, encargados por la televisión pública de Alemania Occidental en 1967 para
crear una película especial de una hora sobre Thelonious Monk, los dos hermanos
siguieron de cerca a Monk durante seis meses mientras viajaba por Nueva York,
Atlanta y Europa. De este proyecto surgieron trece horas de tomas descartadas,
mostrando actuaciones en vivo de Monk y su banda junto con los únicos materiales de
Monk rodados fuera del escenario. El metraje se almacenó durante casi dos décadas
después de que se emitiera el especial de una hora, que solo se pudo ver en Alemania.
Después de no pocas visicitudes, en las que intervinieron los hermanos Blackwood, el
productor Bruce Ricker y Clint Eastwood y su productora Malpaso, Charlotte Zwerin
pudo demostrar, en un análisis minucioso de su trayectoria, con sensibilidad y
maestría, que Thelonius Monk tenía un nivel artístico semejante al de otros grandes
músicos a los que había dedicado sus trabajos anteriores.

 

 

Viernes 18 de noviembre, 22 horas:
3.- MO’ BETTER BLUES, Spike Lee, 1990.
Int.: Denzel Washington, Spike Lee, Wesley Snipes, Samuel L. Jackson.
USA VOSE. 120 min.

 

El trompetista Bleek Gilliam lidera junto al saxofonista Shadow Henderson un
quinteto de jazz que actúa en un club de los bajos fondos. Aunque Shadow disfruta de
un mayor protagonismo en la banda, a Bleek tampoco le van mal las cosas. Sin
embargo, diversos problemas les obligan a tomar delicadas decisiones. Por una parte,
Bleek debe salir en defensa del mánager del grupo, que tiene problemas con el juego y
que es frecuentemente apaleado por sus acreedores. Por otra, el trompetista debe
elegir entre dos mujeres, una maestra de escuela y una cantante, con las que mantiene
una relación sentimental paralela. Por si fuera poco, su rivalidad profesional con
Shadow amenaza con dividir la banda.
Spike Lee, director y guionista de este filme, que casi siempre ha incluido jazz en sus
películas, estableció una vinculación muy especial con Terence Blanchard, un
trompetista, compositor y arreglista norteamericano que habitualmente ha sido
incluido en el estilo llamado neobop. Es, precisamente, el responsable de los arreglos
musicales de Mo’ Better Blues, (Cuanto más, ¡mejor!, 1990), en la que contó con
Denzel Washington, que era, en ese momento, la más refulgente estrella negra en el
ambiente de Hollywood (Bleek Gilliam en el film, de profesión trompetista
de jazz). Además, intervienen en papeles importantes Wesley Snipes (Shadow
Henderson, saxo), Bill Nunn (Botton Hammer, bajo), Giancarlo Esposito (“Left
Hand” Lacey, piano) y Jeff “Tain” Watts (“Rhythm” Jones, batería), aunque solo
tocó de verdad este último. Con su brillante imaginación visual, Spike Lee nos
hace sentir de cerca la educación, vida y tribulaciones de un trompetista
especialmente virtuoso. Denzel Washington empezaba a consolidarse como uno de
los grandes actores de Hollywood, y en su galería de personajes no podía faltar la
figura del músico de jazz. Y quizás su modelo, su alter ego, fue Wynton Marsalis,
con lo que estaríamos ante otra de esas biografías no reconocidas, en este caso
del brillante trompetista de jazz en activo, nacido en Nueva Orleans en 1961.

 

STEVE TURRE (Domingo 20 Noviembre, 20:00h)

STEVE TURRE

FORMACIÓN

DAVIS ALEXANDER / PIANO
BENJAMIN SOLOMON / SAXO TENOR
DISHAN HARPER / CONTRABAJO
STEVE TURRE / TROMBÓN Y CONCHAS
WALLACE RONEY JR / TROMPETA
ORION TURRE / BATERÍA

BIO

Uno de los innovadores más destacados del jazz, el trombonista y “conchista” Steve Turre, ha ganado sistemáticamente las encuestas de los lectores y de los críticos de JazzTimes, Downbeat y Jazziz al mejor trombón y al mejor instrumentista variado (conchas marinas). Turre nació de padres mexicano-americanos y creció en la zona de la bahía de San Francisco, donde absorbió dosis diarias de mariachi, blues y jazz. Mientras asistía a la Universidad Estatal de Sacramento, se unió a la banda de salsa de los Hermanos Escovedo, lo que dio inicio a su carrera en ese género.

 

En 1972, la carrera de Steve Turre cobró impulso cuando Ray Charles le contrató para salir de gira. Un año más tarde, el mentor de Turre, Woody Shaw, lo incorporó a los Jazz Messengers de Art Blakey. Tras su paso por Blakey, Turre pasó a trabajar con una variada lista de músicos del mundo del jazz, el latín y el pop, como Dizzy Gillespie, McCoy Tyner, J.J. Johnson, Herbie Hancock, Lester Bowie, Tito Puente, Mongo Santamaria, Van Morrison, Pharoah Sanders, Horace Silver, Max Roach y Rahsaan Roland Kirk. Este último introdujo el zumbido en la concha marina como instrumento. Poco después, mientras estaba de gira en Ciudad de México con Woody Shaw, los familiares de Turre le informaron de que sus antepasados también tocaban las conchas. Desde entonces, Turre ha incorporado las conchas marinas a su variado estilo musical.

 

Además de actuar como miembro de la Saturday Night Live Band desde 1984, Turre dirige varios conjuntos diferentes. Sanctified Shells utiliza la concha marina en un contexto más amplio, transformando su sección de trompas en un «coro de conchas». El lanzamiento de Verve de la primavera de 1999, Lotus Flower, muestra su Sexteto con Cuerdas. La grabación explora muchos grandes estándares y composiciones originales arregladas por Turre para una instrumentación única de trombón y conchas, violín, chelo, piano, bajo y batería. El cuarteto y el quinteto de Turre ofrecen un entorno basado en la tradición y que va más allá de los límites conceptuales y estilísticos. En el verano de 2000, Telarc publicó In The Spur of the Moment. Esta grabación presenta a Steve con tres cuartetos diferentes, cada uno con un maestro pianista distinto y diferente: Ray Charles, Chucho Valdés y Stephen Scott.

 

El lanzamiento autotitulado de Turre en Verve es pionero en una visión artística única, basada en fuentes de jazz, afrocubanas y brasileñas. En esta innovadora grabación también participan Cassandra Wilson, Randy Brecker, Graciela, Mongo Santamaria y J.J. Johnson. Anteriormente, Turre grabó Right There y Rhythm Within, con Herbie Hancock, Jon Faddis, Pharoah Sanders y Sanctified Shells, en el sello subsidiario de Verve, Antilles.

 

Steve Turre evoluciona continuamente como músico y arreglista. Domina todos los géneros musicales y, cuando se trata de su distintivo estilo de jazz, siempre tiene un pie en el pasado y otro en el futuro.

 

ENLACES

The Steve Turre Sextet [full concert] | Trinity Church Wall Street | July 10, 2022

 

Steve Turre Sextet – Live at Smalls Jazz Club – 4/23/22

 

Steve Turre & Group – All Blues * – Chivas Jazz Festival 2001

 

Steve Turre playin’ on shells

Performance con ALONSO MARTÍNEZ & FRIENDS (Sábado 19 de Noviembre, 13:00h.)

LIBRERÍA CÁLAMO

 

Un concierto íntimo con composiciones propias mezcladas con otras del repertorio de standards que abarcan distintos estilos dentro del jazz y otras músicas. Sorpresas garantizadas con invitados especiales .

JAZZ Y CÓMIC – LA HARINERA ZGZ – Sábado 12 de noviembre, 11:00h.

Improvisación creativa y musical.

Una improvisación musical y artística en la que mezclamos el jazz y la narración gráfica. Dibujar, cantar y bailar para divertirse inventando historias. Actividad que desde el año 2016 realizamos con motivo del Festival de Jazz de Zaragoza.

Taller impartido por Josema Carrasco y Marta Pérez.
Alonso Martínez: Guitarra, docente en el Conservatorio Superior de Música de Navarra y guitarrista.

INSCRIPCIÓN GRATUITA/ AFORO LIMITADO: josemacarrasco@gmail.com

 

ELÍADES OCHOA (Viernes 25 de Noviembre, 21:00h.)

Eliades Ochoa es uno de los soneros cubanos más importantes de todos los tiempos; un notable defensor de la música tradicional cubana y el mejor guitarrista de su generación. Es una de las estrellas del histórico álbum «Buena Vista Social Club», del que ahora se celebran 25 años, con su memorable interpretación de «Chan Chan» ó «El Cuarto de Tula», pero también ha colaborado con iconos de la música internacional como Manu Dibango , Charlie Musselwhite , Ry Cooder ó Toumani Diabate entre otros y ha sido reivindicado por músicos españoles contemporáneos como Bunbury ó más recientemente C. Tangana.

 

 

LINE UP

Eliades                    Ochoa              voz principal, guitarra           

 

Jorge                       Maturell            percusión mayor

 

José Angel              Martínez           bajo

 

Eglis                        Ochoa              percusión menor, coros

 

Osnel                       Odit                 guitarra segunda , coros

 

Raony                      Sanchez          trompeta

 

VINCENT HERRING & JOE MAGNARELLI QUINTET «PLAYING LEE MORGAN» (Domingo 27 de Noviembre, 20:00h.)

Vincent Herring & Joe Magnarelli Quintet

“Tribute to Lee Morgan”

 

 

FORMACIÓN

Joe Magnarelli – trompeta

Vincent Herring – saxo tenor

Peter Zak – piano

Ignasi González – contrabajo

Joris Dudli – batería

 

 

En el cincuenta aniversario de la muerte de Lee Morgan, uno de los trompetistas esenciales en la historia del jazz y un instrumentista de referencia en la modernidad del género, nace un proyecto para rendir homenaje a este gran músico, interpretando sus composiciones y recreando su propio sonido de la época dorada del Hard Bop.

 

Vincent Herring es un músico que, además de destacar por su interesantísima faceta como compositor, puede considerarse uno de los grandes saxofonistas de las últimas décadas. Su formación comenzó a los 14 años, cuando inició sus estudios musicales en la escuela. Ya en la década de los ochenta se instaló en Nueva York, ciudad en la que inició dos largas y fructíferas relaciones artísticas, la primera con el trompetista Nat Adderley y después con el pianista Cedar Walton. A lo largo de los años Vincent Herring ha desarrollado una carrera en solitario que le sitúa como uno de los jazzistas imprescindibles de nuestro tiempo, también ha colaborado con una interminable lista de grandes del género, desde los legendarios Art Blakey’s Messengers hasta Nat Adderley, Cedar Walton, Kenny Barron, o Nancy Wilson y Jack De Johnette, entre muchos otros.

 

A lo largo de sus 40 años de carrera, el trompetista Joe Magnarelli ha destacado como uno de los principales instrumentistas, compositores y educadores de jazz. Desde sus inicios en la orquesta del histórico vibrafonista Lionel Hampton, ha colaborado con innumerables personalidades de la música afroamericana y latina, desde Ray Barretto a Jack McDuff, Aretha Franklyn, Dr. John, Paquito d’Rivera o, entre muchos otros, Jerry Bergonzi y Louie Bellson. Sus conciertos y su extensa discografía le confirman como uno de los pesos pesados de la trompeta actual.

 

Peter Zak, Ignasi González y Joris Dudli componen un ritmo formado por músicos de ambos lados del Atlántico, todos ellos con amplia experiencia tocando junto a los grandes del jazz actual. Su presencia en este proyecto junto a Herring y Magnarelli, es una garantía del alto nivel del homenaje al irrepetible trompetista Lee Morgan.

 

AMBIENT WAVES DÚO (Sábado 26 de Noviembre, 13:00h.)

Librería/Sala de exposiciones «La Casa Amarilla»

 

Ambient Waves Dúo. Una atractiva sesión musical con los ritmos y armonías del polifacético músico zaragozano Javier Callén al piano y las melodías de Ester Rivas, inspiradas en una Argentina donde desarrolló gran parte de su carrera profesional.

Un recorrido entre los clásicos del Jazz, la Bossa nova y el Pop/Rock siempre aderezado con la influencia Jazz y la elegancia que caracteriza al grupo  Ambient Waves en todos sus formatos.

 

IMMANUEL WILKINS (Domingo 13 de Noviembre, 20:00h. – Sala Luis Galve)

 

FORMACIÓN

Immanuel Wilkins | saxo alto

Micah Thomas | piano

Tyrone Allen | contrabajo

Kweku Sumbry | batería

 

 

BIO

La música del saxofonista y compositor Immanuel Wilkins está llena de empatía y convicción, enlazando melodía y lamento con adornados momentos de amplitud y respiración. Los aficionados al jazz conocieron este fascinante sonido con su aclamado debut llamado Omega, nombrado Mejor Álbum de Jazz de 2020 por The New York Times. Su debut también supuso la presentación de su excepcional cuarteto con Micah Thomas al piano, Tyrone Allen al contrabajo y Kweku Sumbry con la batería, un engranaje perfecto que Wilkins presenta de nuevo con su impresionante segundo álbum The 7th Hand.

 

The 7th Hand explora las relaciones entre la presencia y la nada en una suite de una hora compuesta por siete movimientos. A la hora de escribir, Wilkins comenzó a visualizar cada movimiento de forma que la música fuese totalmente improvisada, canalizada colectivamente por el cuarteto. “Es la idea de convertirse en un conducto para la música como un poder superior que realmente influye en lo que estamos tocando” afirma el artista afincado en Brookyln y criado en Filadelfia, de quien la revista especializada Pitchfork dice que “compone obras épicas que tienen la profundidad de un océano”.

 

The 7th Hand deriva su título de una cuestión impregnada de simbolismo bíblico: si el número 6 representa el alcance de las posibilidades humanas, Wilkins se preguntó qué supondría -cómo sonaría- invocar la intervención divina y permitir que ese séptimo elemento posea a su cuarteto.

 

Wilkins y su banda revelan su verdad colectiva mostrándose abiertamente. Capa por capa, movimiento por movimiento. “Cada movimiento va despojando a la banda hasta el último movimiento, sólo una nota escrita”, dice Wilkins. «El objetivo de lo que todos intentamos llegar es la nada, donde la música pueda fluir libremente a través de nosotros».

 

Image by Rog Walker

DHAFER YOUSSEF (Sábado 26 de Noviembre, 21:00h.)

 

FORMACIÓN:

Dhafer Youssef – oud y voz

Daniel García – piano

Pablo Martín – contrabajo

Shayan Fathi – batería

 

 

PRESENTACIÓN:

Estilo: creativa moderna / Jazz fusión.

 

El maestro de laúd, vocalista y compositor Dhafer Youssef está a la vanguardia de un movimiento en la música contemporánea que une Oriente y Occidente. Es uno de los intérpretes de oud más inventivos del mundo y ha logrado liberar el instrumento de su papel tradicional y llevarlo al Jazz. Youssef nació en 1967 en un pueblo de pescadores en Túnez. Su abuelo le enseñó a cantar versos del Corán pero realmente Youssef prefería escuchar la radio en la cocina de su madre.

Se puso delante del público por primera vez a la edad de 5 años cuando su voz resonó desde el minarete de la mezquita. A la edad de 18 años dejó Túnez y estudió música en Viena, donde vivió durante 13 años antes de mudarse a Nueva York. Dhafer Youssef ha tocado con músicos de todos los rincones del mundo, incluidos Herbie Hancock y Zakir Hussain.

 

Premios:

# Ganador del prestigioso Premio Dutch Edisson 2017.

# Nominaciones al Premio Echo Jazz en dos categorías: vocalista masculino de jazz del año e instrumentos diversos.

# Dos veces ganador del Premio BBC – Músicas del mundo.

 

 

BIO:

Dhafer Youssef es un maestro, vocalista y compositor tunecino de oud, nacido el 19 de noviembre de 1967 en Teboulba. Hijo de una modesta familia de este pueblo de pescadores del centro-este de Túnez, proviene de una larga estirpe de muecines. Dominar las interpretaciones vocales es para él una herencia y una tradición familiar.

 

A temprana edad, su abuelo lo inicia a los recitales coránicos. Empieza a descubrir el potencial de su voz y encuentra su vocación. Lejos de los bancos de las escuelas coránicas y de la dura disciplina de su abuelo, Dhafer Youssef prueba su voz cantando las canciones que suenan en la radio de su madre. La cocina de su madre se convierte en su primer laboratorio experimental, alejado de métodos rigurosos. A los 6 años descubre el eco de su voz y sus resonancias. Recuerda pasar horas cantando en el hammam del pueblo. Las resonancias que produce su voz en ese cavernoso lugar le fascinan, alimentando su ardiente curiosidad juvenil: el joven Dhafer descubre su juguete favorito.

 

Conmovido por la hermosa voz del niño, el muecín local lo anima a grabar el llamado a la oración para la mezquita del pueblo. Dhafer emprende la tarea utilizando un micrófono de plástico barato. Su voz fluye desde lo alto del minarete. Sus resonancias ganan altura. Es su primer encuentro con un público. Siete álbumes de estudio y cientos de actuaciones después por todo el mundo, esa experiencia continúa grabada en su memoria.

 

Unos años más tarde, Dhafer Youssef se une a la compañía de canto litúrgico local como vocalista. Sin embargo, esta experiencia no dura mucho debido a la creciente politización de las actividades del grupo. Lejos de los lugares de culto, Dhafer ahora prueba el laúd en el centro juvenil de Teboulba. Aquí es donde descubre el bajo eléctrico y el groove, lo que lo lleva a tocar en bodas locales antes de unirse a la compañía de canto de Radio Monastir. El joven Dhafer es seleccionado para unirse a la orquesta por su fundador, Mesbah Souli, violinista, miembro de la Compañía Nacional de Túnez y profesor de música.

 

Aspirando a explorar nuevos horizontes, Dhafer Youssef deja su pueblo natal por la capital. En Túnez, ingresa en el conservatorio musical de Nahj Zarkoun. Insatisfecho con la calidad de la enseñanza, se traslada a Austria con la ambición de completar su formación musical. La exaltación creativa que le proporciona la multiculturalidad en Viena y los múltiples encuentros que allí tiene le abren un nuevo mundo de posibilidades.

 

Después de comenzar sus estudios de musicología, Dhafer se da cuenta de que ya no está interesado en la formación académica. Seducido por el jazz y otros géneros musicales como la música india, participa en numerosas sesiones de improvisación y encuentros en diferentes bares y clubes con, por ejemplo, Wolfgang Pusching. Finalmente conoce a Gerhard Reiter, el percusionista austriaco con quien funda su primera banda, “Zeryab”. En 1996, sus múltiples descubrimientos y experiencias en Viena dan origen a su primer álbum “Musafir” (El Viajero, en árabe). Este álbum es el resultado de un encuentro atípico con Anton Burger, Achim Tang, Jatinder Thakur y Otto Leichner. Presenta su proyecto en Porgy&Bess, el reconocido club vienés. Después de una exitosa primera noche, se le ofrece carta blanca y comienza una serie de conciertos mensuales en el club. Allí conoce a Nguyen Lê, el guitarrista francés de origen vietnamita y al trompetista italiano Paolo Fresu que lo invita a varias actuaciones por toda Europa.

 

Dhafer gana en madurez a lo largo de los conciertos y confirma su constante desarrollo con el lanzamiento en 1998 de Malak bajo el sello Enja Records. En este álbum, las estructuras melódicas del jazz europeo se encuentran con un ritmo mediterráneo de una forma particular. Esto marca el inicio de una auténtica identidad musical impregnada de los orígenes del artista sin caer en el típico orientalismo. Junto a Nguyen Lê a la guitarra, Markus Stockhausen a la trompeta, Achim Tang al bajo y Patrice Heral a la batería, Dhafer se ve impulsado hacia una carrera internacional. Aclamado por la crítica, realiza una exitosa gira europea antes de volver al estudio con un nuevo proyecto.

 

En 2001 graba Electric Sufi, su segundo disco con Enja Records donde colabora con Wolfgang Muthspiel (guitarra), Markus Stockhausen (trompeta), Deepak Ram (bansuri), Dieter Ilg (bajo), Mino Cinelu (percusiones), Rodericke Packe (electrónica), Will Calhoun (batería) y Doug Wimbish (bajo). En este primer experimento con la música electrónica, la mezcla sonora es exultante. Fruto de su interés por las ondulaciones y resonancias vocales, la música de jazz de Electric Sufi es una oportunidad para que el artista experimente con su voz y la utilice más como instrumento. La firma distintiva de Dhafer se confirma durante un recorrido inspirador.

 

De regreso al estudio en 2003, Dhafer Youssef graba Digital Prophecy. En este disco se intensifica la búsqueda de nuevos sonidos y el resultado es estimulante. La simbiosis entre el oud y los sonidos eléctricos es cada vez más orgánica, y la alquimia opera entre grandes artistas de la escena electro-jazz escandinava: Nils Petter Molvaer (trompeta), Bugge Wesseltoft (piano), Eivind Aarset (guitarra), Auden Erlien (bajo eléctrico) y Rune Arnesen (batería). A medida que la música de Dhafer adquiere más altura, es nominado dos veces en 2003 a los premios BBC Awards for World Music.

 

Después de estos encuentros improbables entre oud y la música electrónica, Dhafer Youssef se plantea un nuevo desafío: introducir más instrumentos de cuerda en su universo creativo. Esta ecuación surrealista se resuelve con el lanzamiento de Divine Shadows en 2005. El sonido es decididamente emocionante sin perder su calidad etérea. Se afirma la espiritualidad, manifestándose sin disculpas y lejos de los estereotipos. El álbum está marcado con los sonidos de Arve Henriksen y Marilyn Mazur, junto con los ahora compañeros de Dhafer, Eivind Aarset, Audun Erlien y Rune Arnesen. Después de las nominaciones de 2003 a los Premios BBC de Música del Mundo, Divine Shadows le asegura a Dhafer una tercera nominación en 2006.

 

Después de Djalal Eddine Rûmi, Al-Hallaj y otros filósofos y poetas sufíes que han inspirado a Dhafer, el artista recurre a los textos de Abu Nawas, un poeta persa del siglo VIII conocido por sus odas al vino en una sociedad conservadora. Lanzado en 2010, Abu Nawas Rhapsody es el sexto álbum del artista. Es también un manifiesto musical que elimina las barreras entre las nociones de sagrado y profano. Acompañado del pianista Tigran Hamasyan, el baterista Mark Giuliana y el contrabajista Chris Jennings, Dhafer Youssef vuelve en este disco a un estilo más jazzero y groove. La poderosa voz de Dhafer se introduce sutilmente antes de iniciar una vigorosa fusión con los instrumentos. Sin olvidar la identidad artística que ha forjado a través de su experiencia y una búsqueda continua de sonidos, Dhafer Youssef trasciende los géneros.

 

La extraordinaria carrera de Dhafer está marcada por varias colaboraciones que se han sumado a su experiencia. Dhafer alterna así proyectos musicales y colaboraciones como un dúo con el legendario tablista Zakir Hussain con el que realiza una gira con entradas agotadas por Europa e India, un dúo con Dave Holland y un proyecto de Digital’Africa con el gran maestro de kora Ballake Sissoko y Eivind Aarset… Estas colaboraciones son fuentes de desarrollo e inspiración para el artista, siempre insaciable de nuevos sonidos. Esto también es a menudo una oportunidad para él de conocer músicos excepcionales con los que desarrolla relaciones e intercambios artísticos que van más allá de estas colaboraciones para integrar sus propias creaciones. En efecto, Dhafer ha mostrado desde el comienzo de su carrera una curiosidad desenfrenada y una búsqueda constante de renovación y descubrimiento, que se refleja en sus colaboraciones con artistas de orígenes plurales: India, Noruega, Armenia, Turquía, Austria, EE. UU., Malí…

 

El talento de Dhafer se extiende al mundo de la música de cine. La crítica reconoce su destacada actuación en la banda sonora de «Black Gold» compuesta y dirigida por el legendario James Horner en 2011. Este último invita a Dhafer a una nueva colaboración en 2012 para la banda sonora de «The Amazing Spider-Man». Otros ejemplos incluyen «Luna» de Dave McKean y la colaboración con Alberto Iglesias para «Exodus: Dioses y Reyes» de Ridley Scott, ambas en 2014.

 

Cuando Dhafer Youssef recibe una invitación para actuar en el Concierto Global All-Star en el Día Internacional del Jazz 2015, es otro punto culminante de la carrera del artista. La participación de Dhafer en este gran concierto mundial que reúne cada año a las leyendas vivas del jazz y músicos de talla mundial es un testimonio de su talento y contribución a la música. De hecho, hoy en día se le considera el intérprete de oud más creativo y líder del movimiento conocido como música contemporánea, que fusiona la música oriental y occidental. Ha logrado la hazaña de traer el oud, un instrumento ajeno al jazz, para sacarlo de su rol y forma tradicionales y confrontarlo creativamente con varios géneros musicales desde la música electrónica hasta el jazz.

 

Qué señal de reconocimiento es entonces para Dhafer tocar esa noche a dúo con nada menos que el embajador del Día Internacional del Jazz, el maestro Herbie Hancock y luego ser acompañado por Wayne Shorter en su interpretación de «Haystan Dance».

 

En 2011 invita al clarinetista turco Hüsnü Senlendirici y al intérprete de Kanun Aytaç Dogan a una actuación en Ludwigsbourg-Alemania. En 2013 e inspirado por este encuentro, Dhafer Youssef lanza Birds Requiem. El éxito de este álbum inmediatamente elogiado por la crítica no tiene precedentes, con una gira internacional triunfal de alrededor de 100 conciertos, más de 50.000 discos vendidos y actuaciones de varias orquestas, incluida la Orquesta Sinfónica de Londres. Construido como la banda sonora de una película, Birds Requiem es un álbum muy personal que fue grabado en un punto de inflexión en la vida del artista. La voz de Dhafer Youssef acompaña al clarinete de Husnu Senlendirici y al Kanun de Aytaç Doğan. También colabora de nuevo con sus compañeros Eivind Aarset a la guitarra eléctrica, Nils Petter Molvaer a la trompeta, Kristjan Randalu al piano, Phil Donkin al bajo y Chander Sardjoe a la batería. Birds Requiem está clasificado entre los diez mejores álbumes de jazz de Francia y otros lugares, y está incluido en la lista de los “20 mejores vocalistas masculinos” de la revista DownBeat. Es un nuevo hito en la carrera e investigación musical de Dhafer.

 

La atípica aventura artística de Dhafer le lleva de vuelta a Nueva York en 2016, ciudad en la que vivió unos años en sus inicios, y a la que tiene especial cariño. Es en esta vibrante ciudad donde tiene lugar la génesis del álbum más esperado de 2016: Diwan of Beauty and Odd se graba en el legendario estudio Sear Sound, con, sin duda, los mejores músicos que la escena del jazz de Nueva York podría ofrecer: Aaron Parks. al piano, Ben Williams al bajo, Mark Guiliana a la batería y Ambrose Akinmusire a la trompeta.

 

Las 11 composiciones de Diwan of Beauty and Odd son una exploración de una de las dualidades más atractivas, la de lo bello y lo extraño. Con su extraordinaria habilidad para trascender los géneros y los límites de las métricas simples, Dhafer juega con la calidad asimétrica de las métricas impares para ofrecer una proeza musical de intrigante complejidad que, sin embargo, sigue siendo infinitamente bella y comprensible. Ahí es donde reside la genialidad del compositor. Diwan of Beauty and Odd es una fusión de influencias orientales y el ritmo urbano de Nueva York. Es un encuentro vibrante de tradición e influencias contemporáneas, un llamado universal a la paz sutilmente pronunciado. El álbum que se lanzó en 2016 es una proeza musical en la que el consumado compositor tunecino afirmó su posición como uno de los músicos más innovadores de la última década.

 

 

 

ALEJANDRO ESPERANZA presenta «OLIVOS»

Alejandro Esperanza – Piano y composición
Manel Fortià – Contrabajo
Marcelo Woloski – Percusión

 

 

Olivos es el nuevo álbum del pianista y compositor Alejandro Esperanza, un músico aragonés que presenta su primer proyecto en formato trío. Sus composiciones nos invitan a transitar entre las cálidas sonoridades de la percusión
de Marcelo Woloski y el fresco sonido del contrabajo de Manel Fortià, siempre liderados por Esperanza a través de un pianismo delicado y profundo que introduce melodías y atmósferas de una belleza conmovedora. En Olivos, además del jazz, están presentes influencias que van desde compositores como Debussy o Brahms a los Beatles, pasando por músicos como el pianista Brad Mehldau o el contrabajista Avishai Cohen. Este disco es también un reconocimiento al mundo Mediterráneo, de ahí su título, “Olivos”, un símbolo con el que cualquier persona que haya tenido contacto con el Mediterráneo se puede sentir identificada. Las composiciones son pinceladas de un imaginario que es personal y a la vez universal.

Alejandro Esperanza es un artista en constante evolución y crecimiento. Estudia el Grado Profesional de Piano Clásico en el C.P.M de Huesca, y se especializa en Pedagogía Musical realizando el Grado Superior de Pedagogía Musical en el Conservatorio Superior de Música de Navarra. Allí ya comienza sus estudios de jazz con el pianista Jonathan Hurtado. Posteriormente, se traslada a Barcelona para acabar el Grado Superior de Piano Jazz en el Conservatorio Superior de Música del Liceo, donde estudia con Roger Mas y Albert Bover. Ha participado en diversas Masterclass impartidas por Maria Schneider, The Children of the Light (Danilo Perez, John Patitucci, Brian Blade), Melissa Aldana o Stefan Karlsson. A su vez, ha asistido a cursos bajo la dirección de Bruce Barth, The Bad Plus, Kenny Barron, Dave Holland, Chick Corea, Gary Burton y Joe Lovano, entre otros. Ha participado en diversos festivales como el Festival Internacional de Barcelona Voll-Damm, Festival Showroom Canarias, Festival Nit’s de Jazz de Platja d’Aro, Festival Jazzing de Sant Andreu, Festival Internacional de Jazz de Zaragoza con grupos como Supersax Project o la Rufaca Folk-Jazz Orchestra dirigida por Sergi Vergés. En 2018 presenta “Compañeros de aventuras” con el sello discográfico Fresh Sound New Talent Records, su primer disco a título personal junto al saxofonista madrileño Marino Garcimartín. Un disco con composiciones propias donde cuentan con una jazz orchestra de más de 20 músic@s. En el ámbito educativo, además de formar parte del Proyecto Jazz for Kids es actualmente profesor en el Aula de Música Moderna y Jazz del Conservatorio Profesional de Música del Liceo en Barcelona y en la EMMD de Barbastro.

 

Marcelo Woloski es un multi-percusionista ganador de 2 Grammy y 1 Latin Grammy. Se trata de un percusionista único y original que se inventa instrumentos buscando nuevas vías que puedan ir más allá de la batería convencional. Su amplia gama de sonidos, su versatilidad y su creatividad, son realmente magníficas y verle tocar en un concierto es tan espectacular como divertido. Cuando sus constantes actuaciones internacionales se lo permiten, Woloski reside en Barcelona, después de graduarse en la Berklee College of Music y vivir durante 12 años en la ciudad de Nueva York. Es miembro regular de bandas internacionales tan populares como Snarky Puppy, Banda Magda o la cantante portuguesa Sofía Ribeiro.

Manel Fortià es un expresivo y melódico bajista afincado entre Barcelona y Nueva York con una dilatada carrera como intérprete y compositor de jazz. Ha trabajado con músicos tan grandes como Dave Liebman, Chris Cheek, Bill McHenry, Eliot. Zigmund, Ari Hoenig, Chano Domínguez, Stephane Belmondo, Perico Sambeat, Raynald Colom o Antonio Lizana. En su último álbum, Despertar, encontramos composiciones suyas con su trio Europeo formado por el pianista Marco Mezquida y el bateria Raphaël Pannier.

CYRILLE AYMÉE (Viernes 18 de Noviembre, 21:00h.)

 

FORMACIÓN

FORMACIÓN
Cyrille Aimée – voz
Matteo Bortone – contrabajo
Yonatan Rosen – batería
Laurent Coulondre – piano

Para la artista nominada a los Grammy Cyrille Aimée, la improvisación no sólo es una técnica vocal. Es un modo de vida que le permite compartir con el mundo su contagiosa voz y su chispa creativa, y que la ha llevado también hacia nuevos rumbos.

 

La famosa vocalista Cyrille Aimée, abierta ante cualquier nueva oportunidad que se le presenta, pasó de cantar ante públicos en calles Europeas, a interpretar frente a los más exigentes auditorios de prestigiosos festivales mundiales de jazz; de cantar en campamentos gitanos y a escondidas de sus padres en su Francia natal, hasta actuar en Broadway; de desafiar uno de los públicos más difíciles como el del célebre Apollo Theatre de New York, hasta ser reconocida hoy por el Wall Street Journal como «Una de las cantantes de jazz más prometedoras de su generación», y aclamada como «Una estrella triunfante en la galaxia de los cantantes de jazz» en las columnas del New York Times.

 

En la primavera del 2018, Aimée cierra un capítulo de su destacada carrera con la salida de su nuevo álbum ‘LIVE’ (en junio bajo el sello Mack Avenue Records). Aplaudida extensamente por la crítica del New York Times y del Wall Street Journal, con este último álbum Cyrille Aimée interpreta en directo y en signo de adiós, canciones grabadas y presentadas estos últimos 5 años junto a su dúo de guitarristas. Buscando como siempre nuevos retos, en el 2019 Aimée estrenará un nuevo álbum en homenaje al mítico autor y compositor Stephen Sondheim.

 

«En mi caso», confía Aimée a espectadores cautivados por su conferencia de TEDx en el 2015, “es más una aventura humana y no tanto la vocación musical la que me inspiró a dedicar mi vida a esta carrera».

 

Esta revelación comienza en el pueblo de Samois-sur-Seine, en Francia, donde Cyrille Aimée, influenciada por diversas tendencias musicales por parte de un padre francés y una madre dominicana, escucha todo, desde Michel Jackson hasta canciones francesas, pasando por el merengue y la salsa latina. En aquel entonces bailaba con su hermana, ensayando nuevos ritmos, desde el cálido swing, hasta cadencias intensas que se reflejan hoy en su música.

 

Su pasión por la música y una insaciable curiosidad la llevarán a descubrir lo que luego cambiaría su vida. En Samois-sur-Seine, los gitanos instalan sus caravanas cada año durante el Festival Django Rheinardt. La precoz Cyrille, atraída entonces por la música y las fogatas de estos nómadas, deja su cuarto cada noche a escondidas de sus padres para reunirse con los gitanos. Esta experiencia no sólo le revela a Aimée los placeres del jazz gitano, – que vendría a enriquecer su ya variada paleta musical – pero más importante aún, la expone a la vida nómada, improvisada y llena de música de los gitanos.

 

Las posibilidades sin límites de la improvisación y el deseo de crear instantes impredecibles llevarán inevitablemente Cyrille Aimée hacia el Jazz. Adolescente, Cyrille cantó en bares y clubes parisinos, antes de entrar a la Modern American School of Music en ésta misma ciudad. Se destacó – o más bien obtendrá renombre – cuando fue seleccionada entre los 16 semifinalistas de la “Star Academy», equivalente francés de «American Idol». Abandona el proyecto al percatarse de los obstáculos del contrato, incendiando con ello la prensa francesa.

 

Atraída por New York, Aimée entra entonces en la Universidad de SUNY Purchase, debido a su cercanía con Manhattan, el núcleo del Jazz. Perfecciona su talento dando conciertos semanales en restaurantes en Soho y en el Club de Jazz «Birdland». Al mismo tiempo se presenta regularmente en el Club de Jazz «Smalls» en Greenwich Village, donde el pianista y propietario Spike Wilner y el saxofonista Joel Frahm la toman bajo sus alas.

 

En sus primeros años en New York, Cyrille Aimée regresa con frecuencia a Europa, y organiza giras mochileras a través del continente con grupos de amigos músicos, audicionando también en festivales de Jazz. Así fue como ganó el famoso concurso del Festival de Jazz vocal de Montreux en el 2007, grabando, como premio, su primer álbum. Esta será una de las tantas recompensas en la que destacó la artista, como la de ganar el Concurso Internacional de Jazz vocal Sarah Vaughan, la de llegar a finalista en el Concurso Thelonious Monk, al igual que en el concurso «Talent Acoustique» de TV5Monde. En el 2008, el álbum «Cyrille Aimée and the Surreal Band» revela las fascinantes cualidades de la artista donde se destaca su suave voz y su efecto variado de estilo, su ritmo intenso con matices franceses y latinos, al igual que un toque elegante de folk y de pop. En los años que siguen, Aimée expande y perfecciona su talento, integrando elementos de música brasileña, de jazz gitano, y un repertorio de composiciones originales. Siguen dos álbumes con el guitarrista brasileño Diego Figuereido, y dos grabaciones en vivo en «Birdland» y «Smalls», con el famoso trompetista Roy Hargrove como invitado especial y un álbum original con la Orquesta de Jazz de Chicago.

 

Su álbum «It’s A Good Day» sale en el año 2014 con el sello discográfico de Mac Avenue Records, que marca el inicio junto a su nuevo y muy innovador grupo, donde se da a explorar con pasión nuevos aspectos de su estilo. Su quinteto presenta dos guitarristas extraordinarios: el Italo Francés Michael Valeanu, con sus notas de jazz contemporáneas y el cordaje metálico con sabor gitano del Francés Adrien Moignard. Del mismo grupo en el 2016, sale «Let’s Get Lost«, un álbum intensamente aclamado y que tomará el primer lugar en la lista de éxitos en Estados Unidos, destacando su inmenso talento, tras recorrer escenas internacionales en Europa, América y Asia junto a su quinteto, durante estos últimos años.

 

Stephen Sondheim, figura legendaria en el dominio musical, reconoce que en Cyrille ese don de contar historias a través del canto podría adaptarse al teatro musical. Así fue como el ícono del Music Hall la elige, en noviembre 2013, para presentarse junto a la famosa actriz Bernadette Peters en un «Encores Special Presentation» en homenaje a Sondheim, en el New York City Center, respaldado por Wynton Marsalis y la Orquesta de Jazz del Lincoln Center. Aplaudida por el New York Daily News como «La revelación», Aimée ha regresado a dicha escena en otro espectáculo, y aprende ahora la técnica Meisner, un método de actuación que ha revelado grandes estrellas como Diane Keaton, Tom Cruise y Robert Duval.

 

Cyrille Aimée comparte hoy episodios de su vida con su público y sus estudiantes, esperando transmitirles el mismo fervor de vida improvisada que los gitanos supieron despertar en ella. Aparte de su conferencia en TEDx, Aimée ha tenido dos veces la oportunidad de abordar temas en la Conferencia de Asuntos Mundiales en la Universidad de Boulder, Colorado. Igualmente enseña en Clases Magistrales a aspirantes a músicos, enfatizando una vida consciente y espontánea, haciendo también un llamado a la toma de conciencia en mejorar nuestra actitud frente a dispositivos adictivos y repetitivos de la vida cotidiana, como el Smartphone. A Cyrille Aimée, el futuro le reserva muchas sorpresas al igual que para sus admiradores. Hoy, después de más de 10 años en New York, empieza un nuevo capítulo de su vida en la ciudad de New Orleans, probablemente la única ciudad de los Estados Unidos cuyas mezclas e influencias musicales se ajustan a las suyas. Cyrille Aimée está también focalizada más que nunca en sus propias composiciones de canciones, llevándola hacia nuevos retos. Para Cyrille Aimée, su inmensa creatividad le abrirá seguramente camino hacia nuevas aventuras.